El martillo sin dueño v.2: messiaen

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miércoles, 3 de octubre de 2012

Del amor y la alegría

[Juanjo Mena. Cortesía: BSO]

El 2 de diciembre de 1949 la Orquesta Sinfónica de Boston dirigida por Leonard Bernstein estrenó en su sede del Symphony Hall la Sinfonía Turangalila de Olivier Messiaen, obra que Serge Koussevitzky juzgaba como la más importante del siglo desde La consagración de la primavera, aunque puede que Koussevitzky no fuera del todo imparcial, ya que, como titular del conjunto de Massachusetts, él había encargado la obra a Messiaen cuatro años antes. El público y la crítica americanos no fueron en cambio tan entusiastas en la recepción de una partitura que causó notable confusión incluso entre los compositores locales ("el monstruo de Messiaen", la llamó Aaron Copland). El medio artístico americano no parecía estar todavía preparado para una obra tan colosal como aquella, en diez movimientos y casi ochenta minutos de duración, con una orquestación, un colorido y una impronta rítmica de extraña singularidad.

Messiaen empleó más de tres años en dar forma a una obra que es el pilar central de su trilogía en torno a la leyenda de Tristán e Isolda, de la cual Harawi, para soprano y piano, y los Cinq rechants, para coro, serían comienzo y final. El título proviene de dos palabras del sánscrito, 'turanga' y 'lila', que según el propio compositor puede traducirse libremente como "canción de amor e himno a la alegría, el tiempo, el movimiento, el ritmo, la vida y la muerte". Aunque, como queriendo otorgarle a su composición una estructura formal de sinfonía, Messiaen empezó componiendo cuatro movimientos (que acabarían en los puestos 1, 4, 6 y 10 de la obra final), sus ideas desbordaban desde su misma concepción los presupuestos de la sinfonía clásica. La Turangalila exige una orquesta amplísima, con un descomunal equipo de percusionistas, además de un piano solista y un generador de ondas Martenot, un dispositivo electrónico que había inventado en 1928 el ingeniero francés Maurice Martenot. La escritura para el piano es tan virtuosística que Messiaen incluso sugirió la posibilidad de que la obra pudiera ser considerada como un concierto. La novedad de la obra supera en cualquier caso la originalidad de su instrumentación, y por tanto de su colorido, y tiene que ver con la riqueza de sus ritmos (en algunos casos, de raíz oriental, pero también jazzísticos) y la exuberancia melódica, que más que en "una canción de amor", como la concebía su autor, la convierten en un gran y gozoso divertimento de naturaleza puramente hedonística.

Recientes aún sus primeras grabaciones como titular de la Orquesta Filarmónica de la BBC, el vitoriano Juanjo Mena ha registrado para el sello Hyperion con la Filarmónica de Bergen, de la que es principal director invitado, una nueva versión de la Turangalila, con Steven Osborne en el piano y Cynthia Millar en las ondas Martenot. Su interpretación tiene ese gozoso desbordamiento de colores en perpetuo dinamismo, esa sensación de algo que es a la vez nuevo y grandioso, pero sencillo en sus pretensiones expresivas, que define a la obra y está en las mejores versiones que se hayan hecho nunca, de Ozawa a Salonen, Rattle o Chailly.
[Diario de Sevilla. 29-09-2012]

OLIVIER MESSIAEN (1908-1992): TURANGALILA SYMPHONIE
Steven Osborne, piano
Cynthia Millar, ondas martenot
Orquesta Filarmónica de Bergen
Director: Juanjo Mena

1. Introduction
2. Chant d'amour 1
3. Turangalîla 1
4. Chant d'amour 2
5. Joie du sang des étoiles
6. Jardin du sommeil d'amour
7. Turangalîla 2
8. Développement de l'amour
9. Turangalîla 3
10. Final
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HYPERION CDA67816 (Harmonia Mundi) [77'07'']
Grabación: Junio de 2011

Messiaen: X. Final de la Sinfonía Turangalila. [7'30''] Osborne, Millar. Orquesta Filarmónica de Bergen. Mena.

lunes, 29 de noviembre de 2010

Panorama de actualidad

[El compositor austriaco Beat Furrer. © Anna Merz]

En medio de la ruina y la desolación que siguieron a la Segunda Guerra Mundial los jóvenes compositores europeos empezaron a organizarse y hacerse oír, creando para ello foros, festivales y cursos en los que la tendencia general era la de impulsar una ruptura radical con un pasado al que se hacía responsable de la hecatombe bélica. Los cursos de verano creados en Darmstadt en 1946 por Wolfgang Steinecke tendrían una influencia decisiva en el futuro de la música, pero hubo otros. En Múnich, por ejemplo, Karl Amadeus Hartmann fundó en el seno de la Radio de Baviera los conciertos de Musica Viva (sic en el original) que han llegado con gran vitalidad a nuestros días, hasta el punto de que en 2008 se convirtieron en un festival de tres semanas.

Este DVD, que patrocina la Fundación BBVA, a la que debemos la inclusión de los textos en castellano, es un documento magnífico sobre el desarrollo de aquel evento, pues reúne diez documentales de unos quince minutos de duración cada uno sobre otros tantos conciertos del certamen. Las filmaciones se deben a Peider A. Defilla y están pensadas para un canal de televisión bávaro. En cada corto, se presentan fragmentos del concierto junto a entrevistas con compositores e intérpretes. El modelo resulta simple y eficaz y como serie didáctica para presentar el variado panorama de tendencias de la música actual es extraordinario, por lo que sospecho que nunca lo emitirá una televisión pública española.

Entre los intérpretes se cuentan algunas grandes orquestas de radio (Baden-Baden y Friburgo, Colonia), directores de prestigio (Cambreling, Bohn, Lubman…), algún conjunto célebre (SWR Vokalensemble de Stuttgart) y solistas de primer nivel. La panorámica abarca a maestros clásicos, como Messiaen (Un sourire, para orquesta, homenaje a Mozart de 1991, de la que habla Cambreling), Xenakis (Antikhthon, que comenta Brad Lubman) o Conlon Nancarrow (Study nº41 para dos fonolas, que desmenuzan Wolfgang Heisig y Rex Lawson), pero también a algunos célebres compositores vivos, como Hans Zender (que otorga carácter de ritual a sus Logos-Fragmente, obra aún abierta para 32 voces y cuatro grupos orquestales) o Beat Furrer (que presenta su Concierto para piano de 2007).

La performance tiene su espacio en Boxgesang über 12 Runden, de Michael Lenz y Uli Winters, para boxeador, sacos de boxeo sonoros, dos locutores y un ensemble instrumental que incluye guitarra eléctrica y subwoofer. Algo de este espíritu teatral se encuentra también en Countdown de Adriana Hölszky, obra de contenido social que se presenta en la misma sala (la Muffathalle) y en la que un contratenor se sitúa en el centro de la escena rodeado por el público que a su vez se ve rodeado por los instrumentistas. El minimalismo de Keilschrift de Enno Poppe, la levedad con trasfondo religioso de In luce ambulemus de Younghi Pagh-Paan y la radicalidad de Aggravations et Final de Gérard Pesson completan la mirada.
[Diario de Sevilla. 27-11-2010]

MUSICA VIVA FESTIVAL MÚNICH 2008

Visual highlights and interviews

10 films by Peider A. Defilla

1. Adriana Hölszky (1953): Countdown (2007)

pieza escénica de concierto sobre textos de Ver du Bois para contratenor, ocho trompas alpinas, cuatro trombones, cuatro pianos y ocho percusionistas.

[Entrevista con Adriana Hölszky]

Daniel Gloger, contratenor

Malte Burba, Georg Birner, Lutz Mandler y Paul Hübner, trompas alpinas y trompetas

Armon Rosin, Dieter Eckert, Berthold Schick, Viacheslau Chumachenka, trompas alpinas y trombones

Markus Stange, Anna Zassimova, Yukiko Naito, Jürg Henneberger, pianos

Sebastian Hausl, Wolfram Winkel, Alexander Glöggler, Philipp Jungk, Martin Ruhland, Werner Hofmeister y Stefan Blum, percusión

Director: Rüdiger Bohn

2. Conlon Nancarrow (1912-1997): Study nº41 (1981) para dos fonolas

[Entrevista con Wolfgang Heisig y Rex Lawson]

Wolfgang Heisig y Rex Lawson, fonolas

3. Michael Lenz (1964) / Uli Winters (1965): Boxgesang über 12 Runden (2006-07)
para boxeador, sacos de boxeo sonoros, flautas piccolo, clarinetes bajos, guitarra eléctrica, batería, subwoofer, beatboxer y dos locutores.
[Entrevista con Michael Lentz y Uli Winters]
Axel Kühn y Florian Riedl, flautas piccolo y clarinetes bajos
Gunnar Geisse, guitarra eléctrica
Bastian Jütte, percusión
Michael Lentz, locutor, concepción y dirección
Uli Winters, locutor y concepción
Tim Kerger, boxeador
Dalibor, beatboxer

4. Hans Zender (1936): Logos-Fragmente (2007)
para 32 cantantes y cuatro conjuntos orquestales
I. Fragment I [San Juan I, 1-17]
II. Fragment V [Valentín]
III. Fragment II [San Juan II, 1-11]
IV: Fragment VI [Evangelio de Tomás]
[Entrevista con Hans Zender]
SWR Vokalensemble de Stuttgart
Orquesta Sinfónica de la SWR de Baden-Baden y Freiburg
Director: Sylvain Cambreling

5. Olivier Messiaen (1908-1992): Un sourire (1989)
para orquesta
[Entrevista con Sylvain Cambreling]
Orquesta Sinfónica de la SWR de Baden-Baden y Freiburg

Director: Sylvain Cambreling

6. Enno Poppe (1969): Keilschrift (2006-07)

para orquesta

[Entrevista con Enno Poppe]

Orquesta Sinfónica de la SWR de Baden-Baden y Freiburg

Director: Sylvain Cambreling

7. Younghi Pagh-Paan (1945): In luce ambulemus (2007)

para tenor solista y orquesta sobre textos en latín extraídos de cartas del sacerdote coreano Yang-Eop Choe

Hubert Mayer, tenor

Orquesta Sinfónica de la SWR de Baden-Baden y Freiburg

Director: Sylvain Cambreling

8. Iannis Xenakis (1922-2001): Antikhthon (1971)